Изучение истории в произведениях искусства. Изучение истории в произведениях искусства Две картины в одной
Чтобы создать впечатляющее произведение искусства, необходимо обладать особенными навыками, которые будут отличать Ваши творения от работ других мастеров. В некоторых случаях художники сознательно или бессознательно включают в свои шедевры скрытые ключи, которые могут пролить свет на их личную жизнь, желания и технику. Многие из этих ключей спрятаны у всех на виду. Так что берите в руки кисти и вперед, творить...
1. Зеркала Рембрандта
Рембрандт прославился использованием игры света при создании своих великолепных картин. В то время многие художники прибегали к световым эффектам, подобно Рембрандту, однако никто из них не мог запечатлеть на холсте красоту окружающего мира так, как это делал великий мастер. На протяжении многих лет исследователи пытались раскрыть секрет техники Рембрандта, тщательно изучая детали его картин.
Для создания эффекта практически фотографической точности Рембрандт манипулировал окружающей средой при помощи зеркал и освещения - то, что, по сути, сейчас делают современные фотографы. При написании автопортретов Рембрандт использовал сложные сочетания плоских и вогнутых зеркал, наряду с камерой-обскурой, чтобы получить максимально возможное сходство. При жизни великий художник никому не раскрывал свою технику. И лишь опробовав систему зеркал, искусствоведы узнали о секрете его величия.
2. Музыка «Тайной вечери»
Леонардо да Винчи был талантлив не только в искусстве, но и других творческих областях, таких как музыка и писательство. Однажды он решил объединить свои таланты для того, чтобы создать очень любопытную «пасхалку» в одной из своих самых знаменитых картин.
«Тайная вечеря» содержит интересную особенность, а именно музыкально сопровождение. На картине хлеб, а также руки Христа и апостолов, сложены на столе таким образом, что они образуют пятистрочный нотный стан. Если прочитать ноты справа налево, как любил писать в своих дневниках сам Да Винчи, то можно получить цельную композицию, предвещающую страдания Иисуса Христа.
3. Потерянный портрет Эдгара Дега
В период между 1876 и 1880 годами Эдгар Дега работал над картиной, известной как «Портрет женщины». Название говорит само за себя. На картине действительно была изображена только женщина в чёрном одеянии, однако со временем на ней начал вырисовываться ещё один портрет.
В 1922 году работники парижского музея заметили, что с «Портретом женщины» происходит нечто странное. На нём появились обесцвеченные пятна и прочие странные детали. Однако об этом в скором времени забыли. И только при помощи современных рентгеновских технологий нам, наконец, удалось обнаружить то, что более века назад нарисовал Эдгар Дега.
В 2016 году в ходе экспертизы, которая длилась тридцать три часа, было установлено, что Дега нарисовал на своей загадочной картине ещё одну женщину, скорее всего, свою первую модель и музу Эмму Добиньи. Портрет, подобный тому, что нарисован под «Портретом женщины», на самом деле существует, однако находится в частной коллекции и редко выставляется. Эта картина, скорее всего, была другим наброском, который Дега позднее решил зарисовать.
4. Микеланджело и артрит
Микеланджело дожил до 89 лет и умер в 1564 году. Как стало известно, в пожилом возрасте он боролся с весьма распространённым на сегодняшний день заболеванием: остеоартритом.
За несколько лет до своей смерти Микеланджело перестал подписывать картины своим именем, доверив это дело другим людям. Также он прекратил рисовать (любым способом) и перешёл на молоток и зубило, чтобы удовлетворить свою тягу к искусству и стремление создавать прекрасное.
В письмах к племяннику Микеланджело жаловался на «подагру» и скованность движений рук. В то время подагра использовалась для описания дискомфорта практически во всех суставах тела, однако Микеланджело в частности упоминал о болях в руках. На портретах, где Микеланджело изображён в пожилом возрасте, видно, что художник страдал артритом.
5. Вакх и желтуха
В 1592 году известный художник Караваджо переехал в Рим. Здесь он серьёзно заболел, поэтому был вынужден провести шесть месяцев в больнице Санта-Мария делла Консолационе, где начал писать свою знаменитую картину «Больной Вакх» (или "Bacchino Malato"). На ней мы видим Вакха с кожей жёлтого цвета, что является симптомом желтухи. Видимо, именно из-за этой болезни Караваджо попал в больницу на столь долгое время.
Вакх, согласно римской мифологии, был богом вина. Зная, что симптомы хронического алкоголизма включали жёлтый цвет лица, Караваджо решил, что лучшим натурщиком для портрета бога, страдающего от алкоголизма, будет он сам.
То, что Караваджо решил использовать собственные страдания, чтобы изобразить Вакха, умирающего от пьянства, показывает преданность художника своему делу.
6. Эндрю Уайет и Хельга
В середине 1980-х годов американский художник Эндрю Уайет шокировал мир искусства, представив более 200 портретов одной и той же женщины, которые он создал в течение десятилетия. Эти картины и рисунки стали известны как «Портреты Хельги». Когда Уайет создавал их, он держал это в строжайшем секрете. Его жена также не знала об этих портретах.
Единственным человеком, которому Уайет рассказал о Хельге, была его подруга, Нэнси Ховинг. Она поклялась хранить тайну, доверенную ей.
По словам Ховинг, Уайет «любил создавать тайны… чтобы потом их раскрывать». На многих картинах Хельга изображена обнажённой.
Уайет говорил, что его жене не нравилось, когда он рисовал оголённых натурщиц, поэтому он, из уважения к ней, предпочёл не раскрывать существование картин с Хельгой до тех пор, пока не представил их публике.
7. Человек на картине Пикассо «Синяя комната»
Пикассо нарисовал картину «Синяя комната» в 1901 году во время так называемого «Голубого периода». В то время у Пикассо не было денег, и он постоянно пребывал в подавленном состоянии. Художник выражал свою меланхолию при помощи синих и голубых красок. Картина «Синяя комната» всегда привлекала искусствоведов из-за странных мазков, которые использовал Пикассо.
Когда исследователи изучили «Синюю комнату» при помощи инфракрасных технологий, они обнаружили на картине под слоем краски загадочного человека в галстуке-бабочке. Мы не знаем, кем он был и почему Пикассо нарисовал его. Вполне возможно, что это был Амбруаз Воллар, парижский торговец произведениями искусства, который помог Пикассо организовать его первую выставку. Все мы знаем, что Пикассо из-за плохого финансового положения не мог позволить себе покупать холсты, поэтому он решил нарисовать «Синюю комнату» поверх неоконченного портрета человека с галстуком-бабочкой.
8. Турбулентность и «Звёздная ночь»
Одной из самых ярких работ Ван Гога является картина «Звёздная ночь», которую он нарисовал в 1889 году, когда находился в психиатрической больнице. Это произошло во время одного из самых худших психотических эпизодов Ван Гога, однако, именно благодаря нему, он создал произведение искусства, которое, как выяснилось относительно недавно, содержало научный факт, обнаруженный лишь в 1940-х годах, спустя много лет после смерти великого художника.
Турбулентность и турбулентный поток труднее описать, чем квантовую механику. Однако на своей картине «Звёздная ночь» Ван Гог в действительности изобразил идеальную турбулентность. Другие его картины, написанные в данный период, также изображают идеальную турбулентность. Это навело искусствоведов на мысль о том, что во время пребывания в состоянии психической неуравновешенности Ван Гог чудным образом смог увидеть и нарисовать турбулентность за много десятилетий до того, как она это явление было описано впервые.
9. Катаракта Моне
Одной из отличительных черт импрессионизма являются туманные и размытые картины. Самым известным художником-импрессионистом считается Клод Моне, картины которого в последние годы его жизни становились всё более расплывчатыми и тусклыми. Это ухудшение в его творческой деятельности можно объяснить катарактой, которая появилась у него с возрастом.
Влияние плохого зрения отчётливо видно по картине Моне «Японский мостик» (1922 год), которая была написана в необычайно ярких цветах. Возможно, он нарисовал её по памяти, гиперкомпенсируя определённые цвета и оттенки, чтобы она получилась чёткой.
В 1923году Моне, наконец, согласился на операцию, после которой сжёг большинство своих старых картин, поскольку осознал, каким ужасным у него было зрение.
10. Гойя и Жозеф Бонапарт
В 1823 году художник Франсиско Гойя создал портрет дона Рамона Сатуэ, судью Верховного суда Испании. Однако под слоем краски, возможно, нарисована историческая фигура, которая была намного важнее и известнее, чем Сатуэ. Речь идёт о Жозефе Бонапарте, брате французского императора Наполеона. Жозеф Бонапарт был назначен своим братом королём Испании, которой он правил с 1809 по 1813 год.
При помощи рентгеновского излучения под портретом Сатуэ был обнаружен нарисованный Жозеф Бонапарт в мундире с медалями. Портрет был написан в период его правления, и Гойя всеми силами пытался скрыть это.
Гойя пережил много политических потрясений, которые коснулись Испании в начале 1880-х годов. После того как наполеоновские войска были выведены из страны, стало опасно хранить у себя вещи, которые ассоциировались с режимом. По этой причине Гойя решил нарисовать на портрете бывшего короля Испании судью Рамона Сатуэ. Его тайна была раскрыта лишь спустя 200 лет.
Циникам и реалистам это покажется глупым, но остальным рекомендую.
Искусство для каждого открывается по-своему, потому что оно воспринимается каждым человеком через призму его личного мировоззрения. Независимо от того, что произведение искусства может означать для вас, совсем не обязательно, что оно означает то же самое для человека, стоящего позади вас, поэтому ваши мнения могут полностью отличаться от замысла художника. Но каждое произведение искусства хранит историю своего создания. Некоторые из них насчитывают десятки и даже сотни лет, но есть и такие, которые появились сравнительно недавно.
10. «Портрет четы Арнольфини»
«Портрет четы Арнольфини», написанный в 1434 году голландским художником Яном ван Эйком, рассматривается историками не только как одна из самых важных картин в истории, также является причиной многих споров. Прежде всего, картина написана маслом - в наши дни это обычно, но в Западной Европы начала 15-го века встречалось довольно редко.
Это позволило Ван Эйку полность раскрыть свой талант с помощью способов, которые редко встречаются в других картинах того времени. Если вы внимательно посмотрите, то увидите, что зеркало на задней стенке отражает всю комнату, в том числе две дополнительные фигуры, стоящие в дверном проеме. Также можно заметить собаку. Художник учитывает искажение выпуклого зеркала. Невероятно, но даже небольшие медальоны внутри рамы зеркала тщательно выписаны и изображают сцены из Страстей Христовых.
Тем не менее, наиболее спорная часть картины не зеркало, а сама пара. Для того времени было необычным рисовать просто стоящих посреди комнаты людей, поэтому историки утверждают, что в картине мог быть более глубокий смысл. В частности, некоторые считают, что работа изображает молодожёнов, а таинственные фигуры в дверях принадлежат свидетелям. С этим утверждением согласны не все, и эксперты проанализировали каждую деталь в картине - как расположена пара, как они держатся за руки, как женщина носит волосы, - чтобы попытаться установить связь между двумя изображёнными людьми. Но общего мнения пока не найдено.
9. «Писающий мальчик»
Если вы когда-нибудь будете в Брюсселе, не забудьте поприветствовать одну из самых известных в Бельгии достопримечательностей, скульптуру «Писающий мальчик». Как и предполагает название, она изображает маленького мальчика, который мочиться в фонтан. Архивные данные указывают, что первая скульптура была установлена примерно в 1388 году. Тогда это была каменная статуя, выступающая в качестве публичного фонтана, но в какой-то момент статуя была либо уничтожена, либо украдена. В том виде, который мы видим сегодня, скульптура была создана и установлена в 1619 году, и создал её фламандский скульптор Жером Дюкенуа.
Есть немало легенд, окружающих происхождение скульптуры. Самая известная рассказывает о маленьком мальчике, который спас осаждённый Брюссель. Мальчик помочился на горящий фитиль, когда враг пытался взорвать городские стены. Другая легенда гласит, что статуя изображает двухлетнего герцога Готфрида II (графа Лувена). Согласно истории, во время боя его воины поместили мальчика в корзину и повесили её на дерево. Оттуда он мочился на врага, который в итоге проиграл бой.
В настоящее время статуя является одной из главных туристических достопримечательностей города. Часто можно увидеть, что «Писающий мальчик» одет в лёгкий спортивный костюм. Это потому, что, начиная с 18-го века, появилась традиция одевать его в модную одежду. «Мальчик» постоянно получает новую одежду, и его гардероб в настоящее время насчитывает более 900 костюмов.
8. «Сад земных наслаждений»
Одной из самых сложных и масштабных картин, которую вы, вероятно, когда-либо сможете увидеть, является картина «Сад земных наслаждений». Технически, это триптих (три отдельные панели), выполненный нидерландским мастером Иеронимом Босхом между 1490 и 1510 г.г. Левая панель изображает Адама и Еву в Эдемском саду. Средняя панель показывает богатую панораму со множеством персонажей, как людей, так и животных, занятых различными делами. Правая панель показывает тёмный, адский мир.
На первый взгляд, Босх явно изобразил небо, землю и ад, возможно даже, в качестве предупреждения против всех соблазнов жизни. Картина настолько сложная, что даже сегодня искусствоведы открывают новые детали. Например, большую роль в триптихе играют фигуры музыкантов. Многие из персонажей используют музыкальные инструменты нетрадиционными способами (вроде игры на флейте, вставленной между ягодиц). Музыковеды из Оксфорда воссоздали инструменты по изображениям и попытались сыграть на них. Выяснилось, что звучат они просто ужасно.
Существует много мнений о «музыкальном аде» Босха. Недавно обнаружили, что у одного из персонажей в аду на ягодицах напечатаны ноты. Ноты расшифровали, и тем самым появилась запись «адской музыки» 600-летней давности.
7. Гобелен из Байё
Гобелен из Байё является одним из самых важных артефактов, выживших во времена средневековья. Это полоса ткани длинною 70-метров содержит вышивки 50 сцен, изображающих борьбу между Вильгельмом Завоевателем и королём Гарольдом во время вторжения норманнов. Несмотря на то, что ему более 900 лет, гобелен всё ещё находится в замечательном состоянии, хотя в нём явно не хватает заключительного раздела.
Если быть педантичным, то технически гобелен из Байё не является гобеленом. Это вышивка, которая, хотя и похожа на гобелен, выполнена другим способом. Тематические сюжеты вышиты на основной ткани, а не сотканы воедино на ткацком станке.
Старая история гласит, что гобелен делали монахини по всей Англии, а затем отдельные куски были сшиты вместе, но это маловероятно. Современные специалисты полагают, что, хотя изображения во многих сценах отличаются друг от друга, методы вышивки остаются неизменными. Это привело их к выводу, что гобелен, скорее всего, был сделан одной командой профессиональных вышивальщиц.
История происхождения гобелена является большой загадкой. В течение длительного времени инициатором его создания считался брат Вильгельма, епископ Одо. Тем не менее, в последнее время появилась теория, которая говорит, что, возможно, он был создан благодаря Эдит Годвинсон, сестре побеждённого Гарольда, которая хотела завоевать благосклонность нового короля. Один из историков называет в качестве одного из дизайнеров аббата Сколланда, потому что в одной из сцен гобелена он изображён в качестве её свидетеля.
6. «Персей с головой Медузы»
Посетив площадь Синьории во Флоренции, вы окажетесь посреди удивительной выставки искусства эпохи Возрождения. Это потому, что на площади расположена большая коллекция бесценных статуй, в том числе «Геракл и Какус» Бандинелли, «Похищение сабинянок» Джамболоньи и «Львы Медичи». Тем не менее, наибольшее внимание привлекает шедевр Челлини «Персей с головой Медузы».
Название этого произведения искусства прямо говорит о том, что Вы должны увидеть. Челлини изображает Персея, держащего в руке голову Медузы, в то время как её безжизненное тело лежит у его ног. Популярная в греческой мифологии история до сих пор находит отклик у публики. Статуя была создана по заказу Козимо I де Медичи, когда он стал великим князем. Она была открыта для публики в 1554 году. Тогда Персей был установлен на площади вместе с вышеупомянутой статуей Геркулеса, скульптурой «Давид» работы Микеланджело и композицией «Юдифь и Олоферна» Донателло. В то время как работы Микеланджело и Донателло со временем были помещены в музеи, а их место на площади заняли копии, оригинальный Персей остаётся на площади в течение почти 500 лет, лишь изредка подвергаясь небольшой реставрации.
Челлини нашёл странный способ пометить свою работу (кроме написания своего имени на поясе Персея). Если вы посмотрите на голову Персея сзади, то сможете увидеть, что его шлем и волосы образуют лицо и бороду. Хотя это и не совершенный образ, многие согласятся, что на затылке своего скульптурного героя Челлини изобразил самого себя.
5. Бюст Ленина
Удивителен не сам бюст Ленина. А то, что один бюст установлен посреди Антарктиды. Он находится на полюсе недоступности, наиболее удалённом месте на Южном полюсе.
Ещё во времена холодной войны американцы построили научную станцию на Южном полюсе. Чтобы превзойти СССР, но в 1958 году СССР построили ещё одну. Они построили её в самом труднодоступном месте, какое смогли найти. СССР оставались там в течение нескольких недель, затем установили на постаменте бюст Ленина и покинули станцию.
В течение следующего десятилетия несколько новых экспедиций проделали свой путь к научно-исследовательской станции, последняя из них была в 1967 году. В последующие 40 лет и станция и бюст были забыты. В 2007 году канадско-британская команда исследователей Антарктики хотела установить рекорд и стать первыми людьми, сумевшими достичь полюс недоступности пешком. После 49-дневного похода, когда они достигли своей цели, их встретил только бюст Ленина. Всё остальное теперь покрыто снегом.
4. «Поклонение волхвов»
Само название «Поклонение волхвов» посвящено знаменитой библейской сцене, когда три волхва последовали за звездой и принесли подарки младенцу Иисусу. Эта сцена была отмечена в искусстве много раз, и многие великие художники рисовали свою собственную версию, в том числе Боттичелли, Рембрандт, Леонардо и Рубенс. Однако мы заинтересовались работой Джотто, итальянского художника 13-го века, чья собственная версия «Поклонения волхвов» считается одним из величайших шедевров. Особо следует отметить изображение Вифлеемской звезды, которая, по мнению некоторых исследователей, была написана Джотто после прохождения кометы Галлея.
Временные параллели прослеживаются довольно чётко. Джотто закончил картину в 1305 году, но начал её в 1303. В 1301 году комета Галлея проходила мимо Земли, так что вполне возможно, что Джотто мог видеть её и был вдохновлен ею. Но даже если это так, всё равно его изображение кометы не было первым, на вышеупомянутом Гобелене из Байё есть изображение прохождения кометы в 1066 году, всего за несколько месяцев до норманнского завоевания. Кажется, что люди в Европейском космическом агентстве настолько уверены в научной достоверности картины, что в честь художника назвали свой цикл исследований кометы Галлея «Джотто».
3. «Провозглашение независимости»
Одной из самых знаковых картин в истории США считается «Декларация независимости» Джона Трамбулла. Сделанная по заказу в 1817 году картина находилась в здании Капитолия США в течение почти 200 лет, и даже изображена на двухдолларовой банкноте.
Из-за названия и значения, придаваемого картине, многие люди ошибочно полагают, что работа изображает подписание Декларации независимости. В действительности она показывает, как редакционный комитет из пяти человек во главе с Томасом Джефферсоном (в их числе: Бен Франклин, Джон Адамс, Роджер Шерман и Роберт Ливингстон) представляет первый проект декларации Президенту Континентального конгресса Джону Хэнкоку.
На картине показаны 42 человека из 56, которые в конечном итоге пойдут на подписание декларации. Трамбулл хотел изобразить всех, но не смог найти достоверных изображений внешности 14-ти остальных. Некоторые архитектурные особенности Зала Независимости, где произошло событие, неточны, потому что они были написаны по эскизу Томаса Джефферсона, который тот делал по памяти.
На первый взгляд кажется, что Томас Джефферсон наступил на ногу Джону Адамсу, и некоторые полагают, это должно было представлять политическую напряженность между ними. Тем не менее, при ближайшем рассмотрении оказывается, что их ноги стоят рядом. Чтобы не было сомнений, изображение на двухдолларовой купюре было изменено, чтобы создать видимость большего пространства между их ногами.
2. «Венера с зеркалом»
Диего Веласкес был одним из ведущих художников Золотого Века Испании, и «Венера с зеркалом» считается не только одной из его лучших работ, но и наиболее спорной. Предметом дискуссий является её «безнравственность» - обнажённая Венера лежит спиной к наблюдателю и смотрится в зеркало.
Эротизм картины зашёл настолько далеко, что она стала самой откровенной картиной того времени. Тем не менее, Веласкес закончил картину в 1651 году, когда испанская инквизиция имела достаточно полномочий, чтобы решать, что было разрешено, а что нет, и нагота в искусстве была в списке «неприличных» тем. Обычно этого было достаточно, чтобы художник был оштрафован или отлучён от церкви, а его работа конфискована. Только потому, что Веласкес находился под патронажем короля Испании Филиппа IV, его оставили в покое, и это его единственное сохранившееся изображение обнажённой натуры.
В течение почти столетия картина находилась в музее Рокебай-парка в Англии. В 1906 году картина была перемещена в Национальную галерею в Лондоне. Она снова попала в заголовки газет в 1914 году, когда стала жертвой порочного нападения - суфражистка Мэри Ричардсон хотела уничтожить что-то ценное в знак протеста против ареста Эммелин Панкхерст. Она напала на картину с топором, в результате чего на той осталось семь длинных косых полос, но в конечном итоге полотно было полностью восстановлено.
1. «Давид»
Скульптура «Давид» Микеланджело, возможно, самый известный памятник в мире. Тем не менее, немногие заглядывали Давиду в лицо. Это обусловлено двумя причинами. Первая из них – это то, что статуя высотой более 5 метров, а вторая заключается в том, что с 1873 года оригинал статуи находится в Галерее Академии изящных искусств во Флоренции.
Каждому, кто смотрит со стороны, кажется, что Давид выглядит внушительно и уверенно. Однако вблизи заметно, что его взгляд выдаёт нервозность, агрессивность, и даже страх. Микеланджело придал ему это выражение не случайно, любой человек придёт к заключению, что Давид изображён во время подготовки к сражению с Голиафом. Это подкреплено предположением, что в кисти правой руки Давид держит оружие, скорее всего, камень для пращи.
Два флорентийских врача осмотрели Давида и были поражены уровнем детализации статуи. Напряжённость в правой ноге, напряженные мышцы между бровями, сжатые ноздри - всё это присутствует и всё согласуется с Давидом, который готовится метнуть камень во врага.
Этот вывод также опирается на аспект, который редко обсуждается. Статуя Давида абсолютно не впечатляет размером гениталий, выражение «горошинки Давида» давно стало шуткой среди итальянцев. Большинство людей, которые видят статую, задаются вопросом, почему Микеланджело даровал этому органу такие скромные размеры, учитывая, что он сделал Давида абсолютно совершенным во всех других отношениях. Но, анатомически, сморщенные придатки прекрасно согласуются с образом того, кто готовится к смертельной схватке.
Материал подготовил Дмитрий Оськин - по статье сайта listverse.com
P.S. Меня зовут Александр. Это мой личный, независимый проект. Я очень рад, если Вам понравилась статья. Хотите помочь сайту? Просто посмотрите ниже рекламу, того что вы недавно искали.
Copyright сайт © - Данная новость принадлежит сайт, и являются интеллектуальной собственностью блога, охраняется законом об авторском праве и не может быть использована где-либо без активной ссылки на источник. Подробнее читать - "об Авторстве"
Вы это искали? Быть может это то, что Вы так давно не могли найти?
Люди любят все ранжировать, составляя своеобразные «хит-парады» в самых неожиданных номинациях. Даже столь тонкая материя, как искусство, не избежала этой участи, хотя сравнивать художественные произведения очень трудно. Информационный канал Би-Би-Си произвел оценку различных живописных полотен, определив десяток самых выдающихся из них. Безусловно, этот рейтинг весьма спорен, и у читателя может возникнуть вопрос, а где, собственно, Суриков, Левитан, Репин или Шагал, к примеру. Увы, британцы не любят вспоминать о российских достижениях, в том числе и в области изобразительного искусства. Впрочем, такая предвзятость отнюдь не помешает нам восхищаться этими замечательными картинами. Итак:
Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», (конец 1490-х годов)
Сюжет воспроизводит наиболее драматический момент Страстной недели, когда Иисус, ужиная со своими учениками, сообщает им, что вскоре один из них его предаст, а другой отречется от своих убеждений. Иуда, сидящий за столом четвертым слева, всей своей позой выказывает смущение, остальные апостолы выражают удивление и возмущение. Картина написана на стене монастырской трапезной и, к сожалению, претерпела множество повреждений, в результате которых утратила большую часть оригинального авторского письма.
Джованни Беллини, «Праздник Богов» (1514 г.)
Банкет - распространенная тема итальянской живописи XVI века, ему посвящены многие произведения эпохи Возрождения. К примеру, художник Андреа дель Сарто даже изобразил церковь, изготовленную из колбасы и сыра пармезан. В основном картина написана Беллини, но помогал ему молодой Тициан, бывший в то время его учеником. Этот шедевр выполнен в мифологическом жанре. Персонажами стали бог плодородия Приап, нимфы, Юпитер и другие божества, пьющие вино. Новшеством техники стал китайский сине-белый фарфор, недавно завезенный в Европу.
Паоло Веронезе, «Свадьба в Кане» (1563 г.)
Эта яркая и красочная сцена массового праздника висит в итальянском крыле Лувра прямо напротив Моны Лизы, что, к сожалению, способствует репутации одного из самых игнорируемых шедевров всего западного искусства. Свадьба, на которой Христос только что превратил воду в вино, была перенесена из Каны в современную автору Венецию. Нарядно одетые гости, кажется, заняты десертом, но, если присмотреться, можно заметить, что никто из них не ест. Это объясняется тем, что на картине изображены представители высшего класса, которые, в отличие от простолюдинов, считали не очень приличным интересоваться угощениями.
Диего Веласкес, «Триумф Вакха» (1628 г.)
Белокожий, увенчанный листьями плюща, бог вина сидит в веселой компании. Как и положено ему по статусу, он пьян. Рядом с ним загорелые работники в испанских коричневых плащах, выглядящие куда более трезвыми. Художник изобразил мифологическую сцену, довольно редкую в его творчестве. Веласкес отошел от традиционного образа вакхического веселья, на котором, как правило, присутствуют нимфы, и обратился к более натуралистическому стилю, характерному для жанровых сцен (бодегонес).
Питер Пауль Рубенс, «Праздник Ирода» (1635-38гг.)
Крышка блюда приподнимается, а под ней - глава Иоанна Крестителя. Великолепная мрачная живопись Рубенса показывает момент, когда Саломея, станцевав для своего отчима Ирода, получает в награду смерть святого. Человеческая голова подается на праздничный стол вместе с лобстером и дичью. Иродиада, мать Саломеи, тычет в язык Иоанна вилкой, в то время как ее муж охвачен ужасом.
Ян Стен, «Беспутный дом» (1663-64 гг.)
Если в эпоху Высокого Возрождения художники изображали богов или аристократов, то голландские живописцы XVII века обратились к бытовым сценам, иногда насыщенным морально-сатирическим смыслом. Видно, что эти гуляки грешат привычно и обыденно. Человек в черном пытается соблазнить служанку, а женщина на переднем плане так увлечена выпивкой, что не замечает Библию под ногами. Большой окорок, ставший, очевидно, центром этого праздника, забыт на полу, и на него уже заинтересованно поглядывает кошка.
Джон Мартин, «Праздник Валтасара», (1821 г.)
Джон Мартин был одним из самых странных английских художников XIX века. Его манере свойственны апокалиптические видения, но чрезмерная пафосность иногда переходит в откровенный китч. На этой картине он изображает сцену из Книги Даниила, в которой царь вавилонский получает плохое предзнаменование. Грандиозные колоннады до бесконечности, страшные молнии на небе и все такое прочее…
Эдуард Мане, «Завтрак на траве» (1862 г.)
Картины вошла в историю западного искусства, как отвергнутая парижским Салоном и самим Наполеоном III, в ней нарушены все правила перспективы и иконографии. Непонятно также, почему мужчины одеты в современное платье, женщина голая, и при этом люди не глядят друг на друга. Впрочем, возможно, Мане вообще писал не пикник, несмотря на фрукты и булочки, выкатившиеся из корзины на траву. Скорее всего, никакого намека на многозначительную философию, мораль или мифологию нет, художник просто изобразил какой-то факт из современной жизни.
Джеймс Энсор, «Банкет голодающих» (1915 г.)
Когда в начале Первой мировой войны немецкие войска заняли Бельгию, Энсор написал эту горькую пародию на «Тайную Вечерю». На столе убогий обед, состоящий из двух морковок и лука, по всему этому ползают насекомые. Стены украшены ужасными картинами, а люди бесчинствуют. Ужасы войны проявляются не только на полях сражений, но в быту, о чем и повествует это живописное произведение.
Джуди Чикаго, «Ужин» (1974-79 гг.)
Нужно было быть большим поклонником американского феминистского искусства, чтобы занести эту картину в список десятки лучших работ всех времен и народов. На ней изображена сервировка стола для трех десятков великих женщин, имена которых нашим соотечественникам ничего не говорят (за исключением, возможно, Вирджинии Вулф). В центре композиции не еда, а крышки. Чикаго завершила эту работу с помощью 400 добровольцев.
история искусство художественный иконология
Задание №1
1. Ответьте на вопрос и приведите в качестве цитаты фрагменты высказываний, подтверждающие ваш ответ: какие основные направления развития античной историографии заложены в трудах Геродота и Фукидида и как они повлияли на развитие методологии истории искусства в Средние века и в эпоху Возрождения?
Комплексный подход к изучению истории появляется в работе Геродота. В повествование он включает обширные географические и этнографические материалы. Перед собой он поставил задачу найти причину начало Греко-Персидских войн, таким образом, он в своем описание выступает как историк-исследователь, заинтересованный как в описание, так и в поиске следственных связей («…дабы от времени не изгладились из памяти деяния людей и не были бесславно забыты великие и удивления достойные дела, совершенные как эллинами, так и варварами, в особенности же - причина, по которой они вступили в войну между собой»).
Фукидит, будучи участником Пелопонесской войны, развивает тип прагматической историографии. В отличии от Геродота у Фукидита критический подход к описанию хода событий: « Я не считал согласным с своей задачей записывать то, что узнавал от других, после точных, насколько возможно, исследований относительно каждого факта, в отдельности взятого, - писал Фукидид, - изыскания были трудны, потому что очевидцы отдельных фактов передавали об одном и том же неодинаково, но так, как каждый мог передавать, руководствуясь симпатией к той или другой из воюющих сторон или основываясь на своей памяти». Трудность критической проверки фактов современной истории и заставила Фукидида с еще большим недоверием относиться к преданиям о прошлом. «То, что предшествовало этой войне и что происходило в еще более ранние времена, невозможно было, за давностью времени, исследовать с точностью». Он углубил по сравнению с Геродотом, метод историописания, благодаря чему античная историография обрела еще один признак. С Фукидидом античное историописание не только становится наукою в полном смысле слова -- оно восходит на такую высоту, удержаться на которой оказалось не по силам последующим поколениям древних историков. Усилившаяся в позднеклассический и достигшая апогея в эллинистический и римский периоды страсть к риторической обработке изложения привела к усилению художественно-морализирующей тенденции в ущерб собственно научной.
Особенностью античной историографии был преимущественный интерес к местным историям.
Важным достижением античной историографии является разработка теории развития и тесно связанных с ней понятий закономерности.
Античная историография отличалась ограниченным кругом источников и индивидуальным характером исторического исследования. В античности не было правильно поставленной архивной службы и историки лишь эпизодически и случайно использовали документальный материал. Античные историки пользовались зачастую слухами, устными рассказами, неточными переводами местных жрецов, критическая проверка которых часто была затруднена, а иногда и невозможна. Однако в целом за длительный период своего развития античная историческая мысль достигла больших высот, были разработаны некоторые фундаментальные идеи, рассмотрение которых можно провести на творчестве Геродота (между 490 и 480 -- ок. 425 до н. э.), древнегреческого историка, прозванного «отцом истории».
Гуманисты Возрождения провозгласили отказ от средневековой системы культурных ценностей, противопоставили им античные образцы. Возрождение забытых в средние века культурных достижений античности, подчеркнутая апелляция к античным моделям в искусстве, зодчестве, литературе и истории -- таков был лозунг гуманистов. В этот период наблюдаются повышенный интерес к античной истории, особенно к произведениям античных историков, попытка овладеть их достижениями. В целом историческая наука в период от начала Возрождения в Италии в XIV в. и до английской буржуазной революции середины XVII в. приобретает новое качество. Это первый период в развитии историографии античности -- историография периода гуманизма.
Историография показывает, как изменялись из века в век тематика, методы и техника исследования, каким образом от этапа к этапу историки, используя накопленный опыт, совершенствовали пути исследования прошлого. Исходным материалом для историографического исследования является историографический факт.
Историография, как уже подчеркивалось, органично связана с методологией истории.
В историографии неизменными оставались общие методологические принципы -- историзма и объективности.
Принцип историзма включает конкретные требования. События и явления в исторической науке рассматриваются на основе соблюдения временной последовательности, преемственности смены периодов и этапов ее развития. Каждый историографический факт анализируется в процессе возникновения, становления и развития. Исследование событий исторической науки осуществляется в тесной связи с конкретными историческими условиями их появления
Не менее важен принцип объективности. Его применение в историографии предполагает свободу историка от «социального заказа», ангажированности, непредвзятый анализ имеющейся исторической литературы, «вписание» историографических источников в конкретное историческое время, отказ от роли «судьи» своих предшественников, учет национальной историографической традиции.
Одной из важнейших задач методологии истории является выявление природы, назначения и специфики методов.
Первое место, среди других, занимает сравнительно-исторический метод, позволяющий проводить исторические сравнения, сопоставления, устанавливать параллели. В историографии применение этого метода дает возможность изучить историографические факты как в тесной связи с исторической обстановкой, в которой они возникли и действуют, так и в качественном изменении на различных этапах развития.
Сравнительно-исторический метод не исключает, а наоборот, предполагает применение в историографии метода конкретного анализа. Этот метод ориентирован на исследование отдельных историографических явлений и ситуаций с учетом условий их возникновения и взаимовлияния, «взаимопересечений» теоретического и фактического материала.
В историографии действует и хронологический метод. Он способствует изучению историографических фактов с позиций взаимосвязанного процесса, в котором отдельные этапы и периоды сравниваются с целью вскрыть объективные закономерности накопления и углубления историографических знаний. Хронологический метод изложения порой оказывается неприемлемым для аналитического изучения историографического процесса. В связи с этим историографы часто применяют проблемно-хронологический метод. Этот метод предполагает «расчленение» более или менее широкой темы на ряд узких проблем, каждая из которых рассматривается в хронологической последовательности.
Все большую методологическую значимость приобретает применение метода периодизации исторического процесса. Именно на этом методе основано выделение цивилизаций, формаций, эпох, периодов, этапов, отличающихся друг от друга уровнем общественного развития. В историографии этот метод имеет специфику -- указанные «членения» проводятся для того, чтобы обнаружить определяющие направления развития научной мысли на каждом конкретном отрезке «историографического времени», выявить новые явления внутри действующих и выступающих им на смену историографических пластов.
Для историографии определенное значение имеет ретроспективный (возвратный) метод. Его суть заключается в изучении процесса движения мысли исследователя от современности к прошлому: изучение элементов старого, сохранившегося в наши дни, и реконструкция на их основе имевших место в истории событий и явлений. Ретроспекция в историографии позволяет использовать современные знания для изучения их состояния в прошлом.
В историографии полезно применение метода актуализации, что на деле означает определение ценности научных знаний для нынешнего, а также будущего времени. Метод актуализации позволяет строить научные прогнозы будущего развития исторической науки на основе выявления ее ведущих тенденций. Он имеет прагматическое значение, предоставляя возможность разработать практические рекомендации для дальнейшей деятельности историографов на основе «уроков истории».
2. Ответьте на вопрос: кто автор «Всемирной истории», «Описания Эллады», «Естественной истории» и какому времени относятся эти произведения, поясните жанровую специфику этих произведений. Приведите примеры, каким образом затрагиваются проблемы описания, анализа, атрибуции, памятников изобразительного искусства в указанных источниках
Жанровая специфика - описание военной и политической истории. Полибий выдвигает следующие требования к описанию: история должна носить, во-первых, всеобщий характер и охватывать в своем изложении события, одновременно происходящие как на западе, так и на востоке, причем изложение должно быть синхронным. Далее, история не должна носить праздный, развлекательный характер, в приоритете у него достоверность. Он против риторики. Уделял внимания частной истории, истории героев. Также Полибий важную роль отдавал путешествиям, которые помогают историку в создание труда.
Автор «Описания Эллады» - Павсаний. II век до н.э. Жанр периэгез (греч. periaiges -- "охватывающий землю") -- "обведения вокруг". Труд представляет собой путеводитель по наиболее достопримечательностям Древней Греции, включает в себя легенды, связанные с тем или иным местом. Описание монументальных памятников на основе личных впечатлений, время их создания, изучение надписей, храмовых инвентарей и т.п. Представляет из себя важный источник сведений по искусству в области греческой архаики. Павсаний очень точно и квалифицированно описывал памятники архитектуры. Пример- храм Зевса в Олимпии, сокровищницы в Дельфах с указанием местоположения, размеров, материалов, описание мелких деталей. Писал об ордерах.
Автор «Естественной истории»- Плиний Старший. Это один из главных источников наших сведений об античном искусстве. Составленная примерно к 77 г. н.э. для римского императора Тита энциклопедия. Книги 33-36 посвящены искусству, где Плиний рассматривает бронзовую и мраморную скульптуру и живопись, атрибутируя их по датам деятельности художников годами олимпиад. Это своего рода каталог с описанием изображений, материалов, техник, кратких биографий художников в хронологическом порядке. К примеру в 36 книги Плиний пишет об архитектурных ордерах, приводит размеры и пропорции дорических, ионических, коринфских, тосканских колонн. Там же о разных техниках по камню, о видах материала и т.п. В 34 и 35 книги уделяет внимание монументальному искусству, описывает статуи Рима, картины и росписи Капитолия, форумы и храмы, внутренную отделку и обстановку храмов, интерьеры частных домов.
3. Объясните особенности жанрового функционирования экфрасиса в литературе греческой архаики, классики, эллинизма и проследите на конкретных примерах влияние древнегреческих типов экфрасиса на литературу Византии и Западной Европы в Средние века и в эпоху Возрождения.
Экфрасис - это словесное описание любого рукотворного предмета. Ранние античные экфрасисы не представляли собой отдельного литературного жанра, это были отступления от основного повествования в формах элегии, эпитафии, эпиграммы. Экфрасис зарождался в греческих храмах, истоки его лежат в жреческих обрядах. Затем экфрасис появляется в поэтических эпосах -- здесь это описания знаменитых (иногда воображаемых) произведений искусства. Классический пример греческого экфрасиса - щит Ахилла, в "Илиаде" Гомера, где в 120 с лишним строках описывается, что будет изображено на щите, когда его выкует Гефест. К экфрасису обращались и философы и поэты: Аристотель, Платон, Софокл, Еврепид и др. У греков экфрасис - это хвала художнику, вдохновленного богами на создание прекрасного. У римлян художник уходит на второй план. Экфрасис у них - часть риторики. Вергилий в поэме "Энеида" (29--19 гг. до н. э.) дает подобное гомеровскому описание легендарного щита Энея (книга VIII), на котором изображены сцены из истории Рима от его основания до правления императора Августа. В результате события поэмы соотносятся с контекстом священной истории Вечного города. Таким образом, экфрасис связывает прошлое, настоящее и будущее, иногда с назидательскими, морализаторскими или философскими мотивами. К риторике с дидактической направленностью относятся и экфрасисы “Описания статуй” Каллистрата. Жанр диалектического экфрасиса представляют "Картины" Флавия Филострата Старшего и Младшего (II--III вв. н. э.). В предисловии к своему сочинению Филострат Старший сообщает о галерее в Неаполе, в которой некий любитель живописи, меценат, собрал 65 картин -- пинак (картин на деревянных досках). Скорее всего, это сообщение -- литературный прием, поэтический вымысел, но, возможно, описание действительно существовавшего собрания картин. Автор ведет юношу-ученика по галерее и подробно описывает каждую картину. Перед нами возникают классические сюжеты, известные по древнегреческим мифам и поэтическим произведениям эллинистической и римской эпох. Однако текст "Картин" -- не описание сюжетов, а риторика по поводу произведений изобразительного искусства, попытка представить, какими должны были быть (уже утраченные к тому времени) картины знаменитых древнегреческих художников Апеллеса, Зевксиса, Паррасия, Полигнота. Филострат "рисует" сюжеты в таких деталях, что возникает сомнение, "видел ли он из описанных им картин хоть одну в действительности, не является ли он сам... их творцом"
Произведения Филостратов были известны и популярны в Византии в качестве "назидательного чтения". Они изданы вновь в эпоху Итальянского Возрождения, в 1579 г. Возможно, что текст "Картин" сказался в композициях фресок виллы Фарнезина в Риме, выполненных в 1511--1520 гг. Рафаэлем с учениками. Или ж итальянский поэт 15 века Ариосто в "Неистовом Роландe” описывает картинную галерею в песни 33.
В Византии происходит трансформация экфрасиса. Христодор Коптийский, византийский поэт конца V -- начала VI вв. создал экфразы «Описание изваяний в общественном гимнасии, именуемом Зевксипповым» из 416 гекзаметров. Здание, о котором идет речь у Христодора, было построено в древнем Византии еще императором Септимием Севером (193-211) и известно как бани Зевксиппа, сгоревшие в ходе восстания «Ника» в 532 г. Описания Христодора включали в себя более или менее пространные характеристики около 80 изваянных персонажей, в которых автор широко использовал риторические штампы. Особое место в экфразе Христодора Коптийского занимает описание статуи «богоравного мужа» Гомера, которому посвящены около 50 строк.
Прокопий Кессарийский в VI в. восхвалял императора Юстиниана I в работе «О постройках», как великого строителя. Павел Селинциарий создал «Экфрасис Святой Софии» по случаю освящения храма, это пример византийской придворной поэзии. В период иконоборчества создавались экфрасисы в защиту икон (Иоанн Дамаскин). Вывод-экфрасисы играли роль инструмента в установление нового религиозного государства.
В Византии жанр экфрасисов также получил распространение в период Македонского Возрождения (IX--XI вв.). В XIV в. византийский монах Максимум Плануд собрал и составил сборник греческих экфрасисов в форме эпиграмм. При дворе Палеологов в Константинополе ценили сочинение Иоанна Евгеника "Экфразы" (ок. 1436 г.), написанное в подражание "Картинам" Филострата
Экфрасис Реннесанса(эпоха ориентированная во всем на античность) восходит к гомеровскому эпосу, чему способствовали переводы греческих авторов на латынь. Экфрасис для становления гуманистической личности играет важную роль образования и воспитания. Важно отметить новые черты, которые придала эпоха Возрождения экфрасису. Самой распространенной формой, в которой он воплощался, была лирика (чаще всего это были сонеты или мадригалы.Пример-Петрарка). В связи с изменением в обществе социального положения художников в эпоху Чинквеченто в ренессансных экфрасисах, по сравнению с античными и средневековыми, сознательно и принципиально усиливается мотив восхваления мастера, создавшего произведение. Экфрасис становится не только своеобразной одой, посвященной конкретному произведению, но гимном мастеру и шире - в принципе художественному творчеству, как высшему проявлению человеческой деятельности.
3. Прокомментируйте влияние особенностей географических представлений на развитие жанра путеводителя по достопримечательным местам от античности до Нового времени, приведите примеры
Топографические рамки Павсания в «Описание Эллады» ограничиваются греческими городами и областями. Павсаний географ- “мифолог”, который преследовал цель создание путеводителя для греческих паломников, маршруты - это пути к святилищам с описанием дороги и полезной информации для путешественников. Практичные римляне составляли Itineraria - «дорожники», в которых, кроме описаний дорог и расстояний до того или иного пункта, ничего больше не было.
В Средние века для паломников выпускались прообразы современных путеводителей, которые разделялись на два вида: непосредственно путеводители, в которых содержались маршруты и практические советы, и «хожения», в которых паломники описывали совершенные ими путешествия. Литературно увлекательное описание памятников древности, мест культа и старины. Наиболее прославленные это мирабилии, «Чудеса города Рима», восходящие к достаточно давнему времени, получившие свою классическую форму в XII веке, в труде, приписанному Бенедикту, канонику собора св. Петра. Изменение представлений о Риме, Константинополе и Иерусалиме в период Крестовых походов 1096-1270 годов «Хожение» Игумена Даниила, (XII), «Хожение в Царьград» Добрыни Ядрейковича (XIII) - это образцы паломнической литературы.
В Возрождение путеводители составлялись профессиональными издателями, топографами, учеными эрудитами. К примеру, Франческо Альбертини создал топографический справочник статуй Флоренции «Описание многих статуй». «Удивителыный город Рим»(1510) адаптированная версия средневекового путеводителя XII в. с указанием важных произведений искусства. Франческо Сансовино (1521-1586) «Диалоги о достопримечательностях Венеции» (1556), «О происхождении конных статуй» (1566) -важнейшие источниками по истории искусства Венеции. Развитие жанра универсального путеводителя: Франческо Бокки (1548-1618) «О красотах города Флоренции» (1581), Леандро Альберти(1479-1552) «Описание всей Италии» (1550). Джулио Манчини - «Путешествие по Риму», «Размышления о живописи», Карло Джузеппе Ратти (1737-1795) «Рекомендации к тому, что может быть увидено прекрасного в Генуе из произведений живописи, скульптуры и архитектуры» (1780) - формирование музееведческого подхода к описанию и каталогизации произведений искусства.
Отзыв преподавателя____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
Сегодняшние самые инновационные художники не берутся за кисть, а призывают науку, чтобы показать природу как синтез видимого и невидимого. Они создают произведения, радикально отличающиеся от всего, виденного когда-нибудь прежде, и что, возможно, изменит наше восприятие мира - поистине новый авангард.
Как говорит известный видео художник Петер Вайбель: "Сегодня искусство является потомком науки и техники" Это необычная мысль, но он прав.
Одно из самых ранних инновационных произведений, показанных человечеству, было хирургически выращенное, "третье ухо" художника Стеларка, это было 13 апреля 2009 года — на выставке на Эдинбургском международном фестивале науки. План таков: установить микрофон в руке, что позволяет веб-пользователям "слышать" через руки.
Художник Стеларк, известный сторонник "модифицированного улучшения тела", на самом деле выращивал левое ухо на левой руке. Ухо состояло из собственных стволовых клеток Стеларка и вплетено в биоразлагаемый полимер.
Альба Эдуардо Каца - белый кролик генной модификации, его сделали светящимся зеленым, используя ген зеленого белка медузы. Таким образом, Альба стал существом, которого не существует в природе, что привело к оживленной дискуссии по этике генной модификации.
Скульптура Джозайи McElheny из выдувного стекла, "Острова Вселенных" - это стихотворение о создании неимоверного пространства под названием - вселенная. Каждая вселенная является гигантским звездообразованием, и у него около 1000 стекольных шаров и 5000 стержней; около 14 футов в поперечнике и 12 футов в длину.
Длина стержней пропорциональна продолжительности времени, и символизирует Большой взрыв.
Стеклянные сферы представляют галактики в соответствующий момент, и лампочки представляют квазары. McElheny сотрудничал с космологом, чтобы гарантировать, что эти модели являются научно обоснованными. Законченное в 2006 году, это произведение особенно актуально сегодня в связи с последними данными, которые вроде бы, подтверждают гипотезу о мультивселенной - ошеломляющие предположение, что вселенные постоянно создаются.
Физик и художник Джулиан Восс-Андреа создал скульптуру - "Квантовый Человек" она более восьми футов в высоту и состоит из более ста параллельных стальных листов.
С фронта, это человек, но, когда вы идете к ней, человек становится невидимым. Она изображает неоднозначную двойственность волн - частиц квантовой физики, которые - невообразимо - как волны и частицы одновременно. Электрон может проявиться в экспериментах либо как волна либо как частица.
«Шаблоны полетов» - Аарона Коблина, еще одно произведение искусства, которое состоит из конкретных данных. Коблин собрал данные о 250 000 рейсах, которые пересекли США на 12 августа 2008 года.
Еще одно из творений Коблина - "Этот Изысканный Лес", создан при помощи краудсорсинга. Это параллельное игры сюрреалистов "Изысканный труп, в котором игроки добавляют чертеж или предложения, не зная, что происходит перед ним. Для этого изысканного леса, зрители добавили анимации с использованием программного обеспечения, поставляемого Google.
